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Evoking the human voice through instrumental music has been a perennial goal for composers, appearing in traditional performance instructions such as cantabile and contemporary practices such as formant modeling. Performers also make extensive use of vocal metaphors in their discourse. But do general listeners perceive instrumental music in terms of vocal qualities or metaphors? We will address this question by asking listeners to rate their perceptions of vocality in music intended to emulate it, followed by a proof-of-concept composition and performance.

Notre projet documentera et explorera les timbres des instruments de l'orchestre, et les techniques instrumentales utilisées pour créer de vastes gammes de timbres, en enregistrant l'orchestre (vidéo et audio) et en interviewant les artistes qui jouent de ces instruments, et aboutira à de multiples série de courtes vidéos pédagogiques bilingues autour de chaque instrument.

A un niveau fondamental, nous nous demandons ce qui différencie un son « français » d'un son « viennois » ; mais compte tenu des compétences du facteur et du joueur, ainsi que des possibilités complexes d'un type particulier d'instrument, nous nous demandons également ce qui a fait de Beethoven un "apprenant rapide" sur un nouvel instrument et de son rival parisien Steibelt un "expert" d'un son familier, qui se prêtait bien à ce qu'on appelait en France le son continu, ou l'habileté à maintenir ou à « faire tourner » le son.

Ce projet développe une ressource simplifiée pour les compositeurs émergents cherchant à introduire l'électronique en direct dans leur pratique d'orchestration instrumentale. Il se concentre sur deux sujets. 1. Cadres de performance accessibles et stables 2. Stratégies simples pour orchestrer avec l'électronique dans un contexte de chambre et d'orchestre.

L'orchestration assistée par ordinateur peut être considérée comme le processus de recherche des meilleures combinaisons de sons orchestraux pour correspondre à un son cible selon des métriques et des contraintes spécifiées. Bien qu'une solution à ce problème soit une demande de longue date de la part de nombreux compositeurs, elle reste relativement inexplorée en raison de sa grande complexité, nécessitant une connaissance et une compréhension à la fois de la formalisation mathématique et de l'écriture musicale.

L'objectif du projet Space As Timbre (SAT) est de collecter des données qualitatives afin d'analyser et de comprendre l'effet perceptif du timbre dans la composition de nouveaux espaces pour un ensemble acoustique, créant ainsi l'opportunité de traiter l'espace comme un élément porteur de forme dans musique.

Composer pour un instrument solo chinois avec un orchestre occidental exige que le.la compositeur.rice envisage comment les techniques d'orchestration pourraient fonctionner de différentes manières afin de faire ressortir l'instrument solo ou de le faire se fondre dans l'orchestre. De nombreux.ses compositeur.rice.s chinois.e.s ont tenté une telle combinaison et, grâce à l'expérience, ont accumulé des connaissances sur des techniques uniques d'orchestration et de composition pour obtenir les effets souhaités.

Notre projet de recherche-création vise à intégrer des tambours acoustiques et divers appareils électroniques dans un processus de composition non conventionnel semi-structuré. L'approche ascendante (bottom-up) favorisera la curiosité de part et d’autre des participant.e.s et la création d’une pièce inédite présentant de nouveaux timbres et de nouvelles applications d'orchestration pour la batterie avec électronique. Les outils utilisés pour cette recherche-création sont une batterie standard, des microphones, des pads d'échantillonnage de percussion et un ordinateur avec Max/MSP.

Ce projet se concentre sur un sous-ensemble vocal du mélange d’ensembles, appelé le mélange choral « souvent jugé mais rarement étudié » [Killian, Basinger, traduction libre]. Les chanteur.euse.s « utilisent un instrument neurologique intégré » avec des effets différents lorsqu’ils se produisent en solo ou au sein d’un chœur [Cook-Cunningham, traduction libre].

Ce projet est une composition spéciale pour un lieu, ou plutôt la composition sonore d'un lieu spécifique, dans le sens où c'est le lieu qui compose physiquement l’œuvre. Le lieu est le Musée Ariana, Musée Suisse de la Céramique et du Verre, à Genève. La composition est celle du lieu et de ses objets. Elle révèle l'espace du bâtiment, ses géométries, ses volumes, elle est sensible aux objets qui y sont placés car ils vont influencer l'écoute autant que les murs des salles.

Nous proposons un album de musique pour guitare et électronique composé par Noble et interprété par Cowan, point culminant de leur collaboration de longue date qui a été présentée dans de nombreux contextes, notamment le Forum hors les murs de l'IRCAM (2021), le récital de thèse et de conférence doctorale de Cowan (2019), et la série Research Alive de McGill (2017).

Notre étude jette les bases d'une recherche visant à atteindre cet objectif. Tout d'abord, nous construirons un nouveau corpus de musique populaire de 400 chansons, dont 100 chansons chacune provenant de quatre genres disparates : country, pop, heavy metal et hip hop. La sélection des chansons équilibrera la typicité du genre avec des considérations de diversité de genre et de race ainsi que de représentation chronologique ; les détails liés au timbre, à la texture et à la forme de chaque chanson seront encodés et analysés par genre afin d'établir des combinaisons normatives de timbres et de textures ainsi que des différences typiques entre les genres.

Le terme « orchestration » est rarement utilisé en référence au quatuor à cordes, mais lorsqu’on le définit au sens large (d’après Stephen McAdams) comme « le choix, la combinaison et/ou la juxtaposition de timbres dans un contexte musical », il devient évident que le quatuor est un véhicule riche et très flexible pour l’exploration d’idées orchestrales. En tant qu’ensemble de quatre instruments de la même famille, le quatuor possède une capacité exceptionnelle de fondu, mais les timbres de ses membres peuvent également être nettement différenciés lorsque cela est souhaité. En tant qu’ensemble non dirigé, le quatuor à cordes dépend d’une communication non verbale étroite entre ses membres, et ceux.elles-ci ont l’habitude d’apporter des variations subtiles à leur jeu pour atteindre des objectifs timbraux et orchestraux. Le but de ce projet est d’explorer comment les compositeur.rice.s peuvent orchestrer pour le quatuor à cordes, en examinant les stratégies de fondu timbral, de stratification, de modulation et de contraste.

Enregistrer un ensemble à cordes qui joue certains extraits musicaux composés par les membres du projet pour une impression de son fondu dans le cadre d'ODESSA, et analyser le son d'ensemble résultant en introduisant des variations dans les paramètres acoustiques de la pièce.

Le pilier central de notre recherche remet en question les relations traditionnelles entre les instruments acoustiques et l'électronique. Grâce à l'utilisation de technologies de transduction, plus spécifiquement des excitateurs tactiles et des transducteurs de shaker basse, nous incorporons un troisième acteur dans la relation acoustique-électronique. De cette façon, nous pouvons explorer l'espace dans lequel le son acoustique—l'instrument—et le son électronique—le haut-parleur—se connectent.

L'objectif du projet Musician Auditory Perception (MAP) est de recueillir des données quantitatives par le biais de l'ethnographie sonore afin de promouvoir et d'analyser, à la fois littéralement et métaphoriquement, (a) la collaboration sur le son se produisant entre des apprenants auditifs, (b) les modes de collecte d'informations sonores et (c) l'expression créative des musicien.ne.s, alors que les pratiques pédagogiques courantes qui renforcent l'éducation hiérarchique sont perturbées. L'apprentissage auditif n'est pas nécessairement un processus linéaire, mais un processus dynamique—un ensemble de compétences synergiques et profondément liées à la création.

La brillance est l'un des aspects les plus étudiés de la perception de la musique, et sans doute l'un des indices timbraux les plus importants, activement façonné par les interprètes, les compositeur.rice.s et les ingénieur.e.s du son. D'un point de vue psychoacoustique, les sons décrits comme brillants présentent une accentuation des hautes fréquences dans le spectre et les sons ayant une énergie plus élevée dans les hautes fréquences sont décrits comme brillants. Cependant, on sait relativement peu de choses sur les mécanismes neuronaux qui facilitent ces descriptions métaphoriques.

Création d'un guide en ligne pour les musicien.ne.s décrivant en termes simples les caractéristiques acoustiques fondamentales des instruments de musique ainsi que des scènes, des salles de concert et celles de répétition à l'aide d'exemples visuels et auditifs tirés, par exemple, du projet ODESSA. Le guide explique également quels paramètres peuvent être évalués, et comment ceux-ci peuvent être évalués, au moyen d’enregistrements audio de documentation de performances musicales.

Nous proposons de créer un enregistrement audio et vidéo 3D avancé de la fantaisie harmonique de Jason Noble pour deux orchestres de guitares, qui a été créée lors de la première Conférence de guitare du 21e siècle (août 2019, Ottawa, ON) avec une projection 3D de Kurt Laurenz Theinert. La première a été un succès, mais en raison du temps de répétition limité, de nombreux détails musicaux de la partition n'ont pas été réalisés. L'enregistrement vidéo à angle unique ne capture pas le plein effet de la projection de Theinert, et l'enregistrement audio en direct ne capture pas la conception spatiale de la pièce. Notre projet créerait un rendu plus satisfaisant et apporterait une contribution substantielle au domaine du rendu/spatialisation 3D de la musique instrumentale enregistrée.

Une étude à grande échelle de la sémantique du timbre, destinée à être réalisée en ligne, a été planifiée. Les participants devront écouter des stimuli sonores et auront à a) identifier la source sonore, b) l'évaluer sur une série d'échelles sémantiques (par exemple, chaud, creux) et c) dresser la liste de toutes les autres associations sémantiques qu'ils/elles aimeraient rapporter.

Cette équipe cherchera à développer de nouvelles manières d'analyser et d'interpréter l'information audionumérique générée lors du rendu d'œuvres et collectées à l'aide d'un microphone ambisonique (sous-axes ACTOR: "analyse audio" et "analyse musicale"). Durant les douze prochains mois, Martin Ritter (candidat au PhD, University of Calgary) travaillera avec Hans Tutschku pour développer des méthodologies numériques et analytiques servant à mieux comprendre la manière dont le timbre est manipulé et utilisé lors de l'interprétation d'œuvres.

Au cours de trois sessions d'enregistrement qui ont eu lieu les 18 et 19 octobre 2019 à la Haute école de musique (HEM) de Genève, différents extraits de musique orchestrale ont été enregistrés afin d'étudier plusieurs facettes de l'orchestration et de l'acoustique musicale comme l'équilibre timbral et les contrastes.

Orchestral Distribution Effects in Sound, Space, and Acoustics (ODESSA), un enregistrement symphonique interdisciplinaire pour l'étude du son orchestral, est un projet de collaboration entre l'Université de Montréal, l'Université McGill et la Detmold University of Music, réalisé dans le cadre du partenariat ACTOR. Dans le but d'étudier les effets de fondu orchestral, une production musicale conjointe et une évaluation d'un enregistrement orchestral ont été réalisées à la Salle Claude-Champagne.